POR, MAGGIE BOCCELLA, PUBLICADO EL 13 DE SEPTIEMBRE DE 2022 para www.collider.com

¿Cuál es su primer recuerdo de David Bowie? ¿Es de Ziggy Stardust, la estrella de rock extraterrestre de pelo liso y leotardos de más allá de las estrellas? ¿O de Jareth, el amenazante pero casi inofensivo Rey Duende del Laberinto de Jim Henson? Tal vez sea simplemente de un hombre con el pelo naranja brillante y un abrigo de la Union Jack, o de un hombre mayor de pelo largo que canta con el corazón en una sudadera en VH1. Las posibilidades son infinitas, ya que la identidad de la superestrella nacida en Brixton se ha transformado en innumerables ocasiones a lo largo de sus cincuenta años de carrera.

El hombre detrás de Halloween Jack y el Thin White Duke es quizás una de las figuras más examinadas y más comentadas de la historia de la música debido a estos cambios, y nunca se queda quieto lo suficiente como para que nadie lo descubra realmente. Pero nadie ha tenido un acceso tan completo y total a su dilatada carrera como Brett Morgen, director del nuevo documental, Moonage Daydream. Esta nueva película, la primera autorizada por el patrimonio de Bowie, cambia lo que significa crear un documental sobre el rock and roll, haciendo exactamente lo que el Hombre de las Estrellas hacía mejor: desechando el libro de reglas y operando en sus propios términos sensuales, brillantes y sin restricciones.

Es difícil entender quién era David Bowie, o cómo definir su carrera e influencia en algo menos que un monólogo shakesperiano, y Morgen parece entenderlo. Llamar a Moonage Daydream un documental en el sentido tradicional sería casi un insulto a lo que se ha creado: una odisea espacial literal, si se quiere ser cursi. La película no es sólo una combinación de imágenes de archivo del músico, ni se molesta en escuchar las aportaciones de quienes trabajaron con él o siguieron su carrera en vida. Se mezclan imágenes y fotos de la estrella con trozos dispares de todo lo que se pueda imaginar, desde extraños documentales hasta clips de Nosferatu y Metrópolis, una amalgama de influencias e inspiraciones que capta el tipo de caos que Bowie trató de abrazar en vida.

Esta es una película que no decae una vez que se pone en marcha. Tanto si estás familiarizado con Bowie como si no, serás arrastrado como latas de sopa atadas a la parte trasera de un tren bala una vez que sale de la estación, con el cohete lanzándose hacia las estrellas desde el minuto uno. Supone que no sabes nada y todo sobre Bowie al mismo tiempo, que es exactamente donde debe estar. Ya se ha hablado bastante de su éxito en las listas de éxitos o de los detalles de su carrera cinematográfica, y los fans saben que una vez que te enamoras de él, nada de eso es realmente importante. Morgen consigue encontrar el núcleo de ese punto real, que es explorar la creatividad detrás de la obra de Bowie, cómo se construyó a sí mismo a través de su arte, con sus propias palabras.

Oír a Bowie “narrar” la película en persona es reconfortante, como escuchar a tu abuelo del rock and roll contándote historias de los buenos tiempos. Moonage te conmociona con el fuerte estéreo de su canción principal antes de tranquilizarte con viejos audios del cantante hablando de su proceso, examinando lo maleable que era realmente su enfoque de la escritura. ¿Cómo influyó lo que hacía con Ziggy Stardust en lo que haría después con Station to Station o Outside, se pregunta el documental, y qué le influyó para crear de esa manera? La respuesta cambia innumerables veces, unida a la música que hizo que Bowie fuera tan querido por millones de personas en todo el mundo.

Morgen indaga en los archivos que le proporcionó el patrimonio del músico y saca lo que podría describirse como la lista de reproducción ideal de un superfan de Bowie, llena de grabaciones en directo y nuevas mezclas de temas icónicos que tocan la fibra sensible del mismo modo que un niño tira de la mano de su madre cuando está desesperado por algo que adora. Para quien no tenga la suerte de verlo en vida, Moonage Daydream es lo más parecido a verlo en concierto, sobre todo si la película se vive como debe ser: en IMAX, con los sonidos de su discografía atronando en un sonido envolvente ensordecedor.

Dicho esto, Morgen no trata de poner un punto demasiado fino en ninguno de los trabajos de Bowie, renunciando a discutir la recepción de su música en favor de dejar que el propio hombre tome las riendas, permitiendo al público un acceso íntimo a cómo su percepción del universo (y cómo se tradujo a través de su trabajo) cambió con el tiempo. Evita la trampa de considerar una sola obra como su obra magna -lo que a menudo ocurre con Ziggy Stardust o Heroes, dos álbumes que aparecen con mucha frecuencia en la película- y, en su lugar, ofrece una línea temporal suelta de su carrera, desde el ascenso (y la caída) de Ziggy Stardust hasta aproximadamente el año 2000.

Para abarcar todos los aspectos de la carrera de Bowie, incluidos todos los álbumes o proyectos que produjo en esos treinta y tantos años, Moonage Daydream tendría que haber sido un espectáculo de doce horas, y eso probablemente seguiría dejando fuera algunas partes aquí y allá. Pero lo que se incluye es una esencia destilada de Bowie -no de su carrera, sino del hombre mismo- que se mueve de un lado a otro, cruzando entre años y demostrando que lo lineal nunca se aplicó realmente a la existencia que el Starman hizo para sí mismo. Los años 70 se mezclan con los 90, con los 60 y con los 80, y todo ello enmarcado por clips en blanco y negro del vídeo musical de “Blackstar”, el penúltimo single que Bowie lanzó antes de su muerte.

Pero Morgen no trata de enmarcar la película como un preludio de su fallecimiento, lo que quizá sea la razón por la que Moonage Daydream es un retrato tan eficaz del artista. Cualquiera que lleve el legado de Bowie en el corazón podría decir que se siente como si nunca hubiera muerto realmente, sólo “volvió a su planeta natal”, como dice el chiste. Lo que Morgen ha construido es un homenaje, pero no uno que se interese por lo que Bowie dejó atrás, sino por lo que logró en vida, como alguien que puso el listón para cambiarte a ti mismo para adaptarte a lo que eres en ese momento.

Cuando se le preguntó por el incontable número de personajes por los que pasó a lo largo de su carrera, Bowie dijo una vez: “No hago cambios para confundir a nadie. Simplemente estoy buscando. Eso es lo que me hace cambiar. Sólo me busco a mí mismo”. Moonage Daydream es una representación visual de esa búsqueda, o lo más cerca que se puede estar de representar el funcionamiento interno del mejor artista del mundo. Es excesivo a la enésima potencia, una especie de cromoestesia con la guitarra de Mick Ronson y el bajo de Gail Ann Dorsey.

El mérito de Morgan es que el material que ha elegido, escogido entre miles de horas de material, es el que suele quedar enterrado bajo montones de rayos azules y rojos, pero es igual de representativo de la existencia de Bowie como camaleón musical. El público puede ver fragmentos de la gira de la Araña de Cristal de 1987 y cortes rimbombantes de actuaciones de la época de los terrícolas, junto con imágenes de entrevistas y fragmentos del puñado de películas en las que apareció a lo largo de los años. Una de las líneas maestras de la película es una buena cantidad de imágenes de la época de Bowie, Serious Moonlight, extraídas de una película realizada cuando la estrella viajaba por Asia, no de sus conciertos, sino de su tiempo explorando la zona, buscando, buscando, buscando algo que no tiene nombre pero que se siente en cada nota musical.

Si tienes algún tipo de apego emocional a Bowie, seguro que habrá momentos en los que esta película te hará llorar. La mía fue a mitad de camino, cuando algo en las imágenes en directo de su interpretación de “Let’s Dance” me llevó al límite y sollocé incontroladamente durante toda la película. Tal vez fuera la energía que desprendía, la sensación de que era la oportunidad más cercana que tenía de ver a David en concierto, o tal vez fueran los recuerdos: todas las veces que bailé con ese álbum en mi habitación, o que canté a gritos la letra en mi coche mientras la alegría inundaba mis venas a medida que avanzaban a toda velocidad por la autopista.

El cariño y la adoración que Morgen siente por la obra de Bowie como artista es palpable; lo digo de la manera más cariñosa posible cuando digo que Moonage parece un fanedit de dos horas hecho para TikTok. Expresar las emociones exactas con palabras es casi imposible, pero esta película, en toda su gloria ruidosa, desordenada y maximalista, se parece a lo que se siente al amar a David Bowie: llorar cuando aparece en la radio, sentir que se te aprieta el pecho por lo mucho que su obra ha afectado a tu vida. Es el amor personificado, una obra maestra de un director tan dedicado a la memoria de Bowie como cualquier fan. Tiene el corazón del fan de toda la vida, pero también del chico de quince años que acaba de descubrirlo por primera vez, la alegría y la adoración que viene con la explosión de “Modern Love” en los altavoces de un teléfono diminuto de Spotify.

Para alguien de mi edad, David Bowie forma parte del marco cultural de nuestra generación como el pan de molde o los teléfonos móviles. Es ineludible y amado, tanto si tus padres te criaron con Diamond Dogs como si simplemente escuchaste su voz en Bob Esponja mientras crecías. Su influencia y su enfoque del arte son lo que me permite sentarme aquí en mi escritorio, con mi pelo azul y mis tatuajes, y empezar a hacer algo de mí mismo, aunque me aterrorice con cada palabra que pongo en la página. Su presencia -que permanece en esta Tierra a través de la canción y la pantalla y la imagen- permite una especie de fuerza del ser, una camaradería y un guiño descarado que dice: “Vamos, haz eso que siempre has soñado. Te cubro las espaldas”.

Morgen consigue encapsular esa relación íntima entre el artista y el público con Moonage Daydream, utilizando sólo piezas dispares de metraje y alguna ilustración inteligente para clavar exactamente lo que es adorar a David Bowie. Con esta película, Morgen capta la innombrable razón por la que Bowie significa tanto para tantos, es decir, su presencia siempre inmutable que hace que uno crea que se puede conseguir cualquier cosa si se adentra lo suficiente en el agua.

Calificación: A+

Para leer el artículo original, ir a:
https://collider.com/moonage-daydream-review-david-bowie/

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Por Andy Cush, 25 de septiembre de 2022 para Pitchfork

Para escuchar a Pharoah Sanders, pasó sus seis décadas de carrera alcanzando algo que siempre estaba más allá de él. Por los vuelos extáticos de su forma de tocar, y la iconografía a veces explícitamente religiosa que empleaba para contextualizarla, está claro que ese algo que buscaba tenía una dimensión espiritual. Pero a pesar de su anhelo por un plano superior, el gigante del saxofón de jazz -fallecido el sábado a los 81 años- también seguía arraigado a las cosas terrenales.

En su última entrevista publicada, una conversación de enero de 2020 con el New Yorker, habló de la música como el trabajo de su vida: a veces a la manera de un ministro que habla de las escrituras, y con la misma frecuencia a la manera de un mecánico que habla de un camión. El entrevistador le preguntó si había alguna grabación en su vasta discografía que le satisficiera de verdad. No la había. De su respuesta se desprende que ese día, el algo que tenía en mente no era teórico ni abstracto ni inefable; no sólo, al menos. “Tengo un problema”, dijo, “con encontrar las cañas adecuadas”.

Sanders pertenecía a una cohorte de músicos que, a mediados del siglo XX, abrió de par en par las puertas del jazz para permitir disonancias feroces, técnicas instrumentales extendidas y un nuevo estilo de improvisación orientado a la expresión colectiva de forma libre más que a los solos individuales. Nacido en 1940 en Little Rock, Arkansas, era al menos una década más joven que los músicos que inauguraron la primera oleada de free jazz, una generación que incluía a John Coltrane, su mayor colaborador y mentor.

Mientras que esta primera generación llegó al free jazz a través de complejas elaboraciones de la armonía tonal, el sistema de relaciones entre notas y acordes que había sustentado el bebop y las formas anteriores de jazz y música clásica, Sanders y compañeros como Albert Ayler a veces parecían dejar atrás por completo los preceptos de la armonía y la melodía. En sus momentos más apasionados, su forma de tocar se traducía en estallidos de sonido puro -gritos, suspiros, truenos- que los críticos tradicionalistas y los contemporáneos de la época desechaban por considerarlos poco musicales. “Escucho cosas que quizá otros no escuchan”, dijo Sanders en la entrevista del New Yorker. “Escucho las olas del agua. El tren bajando. O escucho el despegue de un avión”. Después de que Coltrane, Ornette Coleman y Cecil Taylor derribaran el muro, Sanders y la segunda vanguardia fueron libres de explorar el territorio del otro lado.

La forma de tocar de Sanders en álbumes de finales de los 60 y principios de los 70 como Karma y Thembi es visionaria e intensa; los críticos, en cierto sentido, no se equivocaron al escuchar una dura ruptura con la música que conocían. Pero también es tierno, esperanzador y generoso. Hay surcos grandes y boyantes y melodías cálidas y comunitarias. En la inflexión cambiante de una sola nota, puede llevarnos de la alegría a la angustia, del terror a la beatitud. Ningún saxofonista, salvo el propio Coltrane, ha tenido acceso a sentimientos más extremos. El dolor terrible, el desafío a fuego lento, la necesidad ardiente, la dulce consumación: si alguna vez lo has sentido en lo más profundo de tu espíritu o de tus entrañas, está ahí, en algún lugar de la música de Sanders.

Sanders se curtió tocando R&B cuando era adolescente en Arkansas y más tarde en Oakland. Se trasladó a Nueva York a los veinte años, cuando decidió dedicarse al jazz. Durante un tiempo se quedó sin hogar, y de vez en cuando vendía su sangre para poder comer. Su suerte empezó a cambiar tras el encuentro con dos figuras legendarias de la vanguardia: Sun Ra, que le animó a abandonar su nombre de pila -Farrell- por el honorífico que llevó consigo el resto de su vida, y John Coltrane, que se convirtió en su íntimo amigo y estrella del norte artístico. Sanders tuvo un breve paso por la Sun Ra Arkestra y otro más importante por la banda de Coltrane, que duró desde 1965 hasta la muerte de éste dos años después. Cada uno de ellos influyó en el otro, pero sus voces siguieron siendo distintas, con los solos de Sanders proporcionando un contrapunto crudo y urgente a los de Coltrane, que conservaban cierta elegancia y precisión matemática de su dominio del bebop, incluso cuando abrazaba las posibilidades de expresividad abierta de la nueva música.

Sanders había publicado un álbum como director de banda antes de unirse a Coltrane, pero su carrera discográfica comenzó en serio con Tauhid, de 1967, su debut para Impulse, el mismo sello que alimentó y distribuyó la música de Coltrane en sus últimos años. Con las serpenteantes líneas de guitarra de Sonny Sharrock, un conjunto de percusión de todo el mundo y unas formas compositivas que se desarrollan pacientemente impulsadas por el timbre y la textura más que por los cambios de acordes, Tauhid fue una de las primeras entradas en el canon de lo que ahora llamamos jazz espiritual.

El estilo surgió por primera vez en álbumes tardíos de Coltrane como Om, pero encontró su máxima expresión en el trabajo que Sanders y Alice Coltrane publicaron tras la muerte de John, avanzando aún más en sus ideas sobre la música y la meditación como caminos hacia lo divino. Alice Coltrane y Sharrock seguirían siendo importantes colaboradores de Sanders en los años siguientes: Los primeros álbumes de Alice, Ptah, El Daoud y Journey in Satchidananda, presentan a Sanders en su momento más lírico; y el canto del cisne de Sharrock, Ask the Ages, de 1991, muestra al saxofonista, entonces en sus primeros cincuenta años, en su momento más volátil.

Incluso cuando Sanders alcanza cotas vertiginosas de éxtasis y disonancia -incluso, quizás, cuando más cerca está de aprehender el escurridizo algo que buscaba-, todavía es posible escuchar sus raíces como intérprete de R&B y un tipo que veía la música como un medio para mantener la comida en la mesa, así como una ruta hacia la santidad. Escuche su interpretación en la introducción de “The Creator Has a Master Plan”, una odisea de casi un álbum de 1969, Karma, que puede ser considerada su mejor obra. Su tono encantador, gutural y rico en matices, parece casi listo para escapar de la nave del saxofón, en un vuelo hacia el más allá. Pero también apunta a la tierra, a los cuerpos que bailan y a las paredes de los clubes nocturnos y a Arkansas; no suena del todo diferente a lo que podría escucharse en un disco de Fats Domino.

“El creador tiene un plan de trabajo/Paz y felicidad para todos los hombres”, canta el vocalista Leon Thomas, justo antes de empezar a canturrear y hablar en lenguas. Lo extático y lo inefable son elementos importantes de la música de Sanders, pero también lo es la parte del trabajo. A diferencia de los Coltranes, que a veces en su forma de tocar podían empezar a parecerse a encarnaciones de lo divino mismo, Sanders residía siempre en el sudor y la sustancia del aquí y el ahora.

La famosa formulación de Albert Ayler era la siguiente: “Trane era el Padre, Pharoah era el Hijo, yo soy el Espíritu Santo”. El Hijo vivía entre los hombres, con los pies plantados en el suelo. Para Sanders, la trascendencia no existía sólo en algún otro reino enrarecido; era algo que se trabajaba aquí en la Tierra, con los pulmones y los labios, y con una buena caña si se podía encontrar.

Para leer el artículo original:
https://pitchfork.com/thepitch/pharoah-sanders-obituary/

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Tecno apocalíptico, reggaetón futurista y shoegaze triposo son sólo algunos de los géneros que encontrarás en la peligrosa metrópolis del desierto mexicano.

POR JOE ZADEH

El 15 de febrero, el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, declaró una emergencia nacional para eludir al Congreso y liberar miles de millones para un muro fronterizo entre Estados Unidos y México. ¿La supuesta emergencia nacional? Una caravana de migrantes de varios miles de personas que llegó a la frontera huyendo de la violencia en Centroamérica. i-D viajó a Tijuana en diciembre de 2018 para informar de la situación de primera mano. El resultado fue el último documental de i-D, Tijuana: Un sueño mexicano, que puedes ver aquí.

Tijuana es una metrópolis del desierto con una gran reputación. El escritor de la revista California Sunday, Daniel Duane, la calificó recientemente como “la Ciudad del Pecado original” y un “campo de batalla de los cárteles de la droga”. Pero también es un lugar de inmensa creatividad en las artes; una ciudad de bricolaje con un aire carnavalesco. Es una ciudad en la que todo vale y en la que las reglas no se respetan, y en la que los grupos que no pueden tocar en EE.UU. por haber sido condenados anteriormente por delitos graves organizan un espectáculo para atraer a sus fans estadounidenses al otro lado de la frontera.

“No hay dinero en Tijuana, y casi no hay locales”, dice Ejival, uno de los fundadores de Static Discos, un próspero sello discográfico electrónico de la ciudad que lleva defendiendo la música autóctona desde 2002. “Pero aun así hemos producido mucha música interesante a lo largo de los años, desde principios de los 60 hasta la actualidad. Aquí todo tiene que ser improvisado; estamos en medio del desierto, literalmente. Y esta nada engendra artistas y talentos increíbles”.

En el pasado, Tijuana ha producido de todo, desde megaestrellas del pop latino como Julieta Venegas hasta música electrónica auténticamente mexicana en forma de “nortec” (una combinación de norteño tradicional y techno duro), que nació del notorio barrio rojo de la Zona Norte de Tijuana. También está el ruidoson, una mezcla oscura y apocalíptica de folk, cumbia y sonidos electrónicos post-tropicales. Y en 2017, vimos el auge del reggaetón futurista liderado por los ritmos afrolatinos de Chico Sondido.

Ahora, la escena musical de la ciudad se ha diversificado y ampliado, impulsada por una era de Internet en la que los artistas ya no necesitan trasladarse a Ciudad de México para triunfar: pueden quedarse y crear en Tijuana. Así que, para conocer los sonidos del norte de México, le pedimos a Ejival, de Static Discos, que nos hablara de cinco de los mejores grupos de la zona.

San Pedro El Cortez

Este grupo de rock borracho y juerguista se ha convertido en un elemento notorio de la escena musical en vivo de Tijuana. Su sonido es una intrigante mezcla de garage rock y psicodelia frenética que hace que tu cerebro chisporrotee como un huevo frito. “Estos chicos son increíbles de ver en vivo”, dice Ejival, “realmente personifican el caos del rock and roll de una manera hermosa y absurda”.

Gaspar Peralta

Situado en algún lugar del espectro sonoro entre la clásica moderna, el post-rock y el ambient, Gaspar Peralta hace una música que se siente a la vez edificante y extrañamente escalofriante. “Viene del mundo del rock y del progresivo”, explica Ejival, “pero también es un gran pianista y un espléndido compositor de música clásica moderna. Todos esos mundos musicales confluyen en su álbum de debut, profundamente conmovedor”.

Mint Field

Este dúo de shoegaze de Tijuana hace melodías inquietantes y nostálgicas que están llenas de imágenes vívidas, olores, colores, gente y clima. “Estas chicas han podido viajar y hacer giras por todo el mundo”, dice Ejival, “saltándose el centralismo del negocio musical por el que tienen que pasar muchos artistas mexicanos, y son muy dinámicas y dichosas en directo.”

Colectivo Nortec

Si quieres hacerte una idea del sonido tecno con sabor mexicano que se hizo tan prominente a principios de la década de 2000, Ejival considera que este es el álbum que debes poner a tope en tus latas. “The Tijuana Sessions Vol. 1 es probablemente el recuerdo más emblemático de una escena musical electrónica que llamó la atención del mundo”, afirma.

Murcof

Murcof (nombre real: Fernando Corona) no es un artista nuevo, pero sí legendario. Es básicamente el Aphex Twin mexicano; un hombre tan ridículamente talentoso en una gama de géneros electrónicos que su influencia ha traspasado las artes, el cine y la televisión en México, y sus espectáculos en vivo pueden incluir trompetas, tablas, pianos y pulsantes ritmos 4/4. “Es un músico de talla mundial y uno de los pocos mexicanos que realmente traspasa fronteras y públicos”, dice Ejival. Traducido con www.DeepL.com/Translator (versión gratuita)

Articulo por JOE ZADEH. 19.2.19 para i-D
Para ver el artículo original, ir a:
https://i-d.vice.com/en/article/a3bkzb/an-insiders-guide-to-the-underground-music-of-tijuana

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Creemos justo el empezar este espacio sobre noticias de Música, Arte y la industria restaurantera con una lista de los mejores albums de la década de los 90’s.

Tomado de la lista de los 100 mejores albums de los 90’s por de FactMag.com
por Kiran Sande, Tom Lea, Joseph Morpurgo, Angus Finlayson, 
Mr. Beatnick, Tim Purdom, Robin Jahdi and Tam Gunn

… Y así comienza.

10. Angelo Badalamenti Music From Twin Peaks (Warner Bros, 1990)

Harleys, cuero, armonías doo-wop, charla doe-eyed jive… Twin Peaks estaba ambientado en los 90, pero seguro que se sentía como en los 50. Lo mismo puede decirse de la banda sonora de Angelo Bandalamenti: es música de biblioteca desvirtuada, kitsch malogrado, todo un pastel de cereza americano que se deja cuajar. Pocos discos tienen tanto tirón pavloviano; en los diez años siguientes, ninguna otra BSO se le acercaría.

Angelo Badalamenti: “El hecho de que la gente siga hablando de ella es un homenaje a mi gran amigo David Lynch. La música era una parte tan importante de esa serie, casi como si fuera un personaje importante.”

9. Swans Love Of Life (Young God, 1992)

Puede que esté muy lejos de la agresividad de discos como Filth, pero Love of Life, de 1992, no tiene nada de optimista. Si hay una postura que encontrar aquí, es la del líder de la banda, Michael Gira, como observador, tocando ideas de compromiso, esperanza y, sí, amor, pero nunca comprometiéndose con ellas. 

The Other Side of the World”, con la voz de Jarboe, narra un momento de cercanía que cambia de continente; asimismo, “Her” encuentra a Gira dedicándose a una compañera, pero la sensación general de ambos temas -y de gran parte de Love of Life- es que estos momentos son poderosos pero temporales, una impresión de la que se hace eco la grabación de la chica enamorada al final de “Her”. 

La versión en CD del álbum se cierra con “No Cure for the Lonely”, un último recordatorio de la mortalidad de los seres humanos y de las relaciones, y una de las mejores canciones individuales del amplio catálogo de Swans.

8. Main Motion Pool (Beggars Banquet, 1994)

Robert Hampson sigue siendo conocido por su primera banda, Loop, una unidad de space-rock cuyo trabajo, a pesar de todas sus virtudes, siempre sonó pedestre en comparación con el trabajo de sus contemporáneos, Spacemen 3 y My Bloody Valentine. Sin embargo, en su trabajo posterior a Main con Scott Dowson, Hampson crearía la música de guitarra más singular de la época, deconstruyendo el instrumento, divorciándolo gradualmente de sus asociaciones con el rock.

Motion Pool, el primer álbum completo de Main, fue un salto hacia la repetición y la abstracción radical y dub que hizo que Pete Kember, Jason Pierce y Kevin Shields parecieran maricas, francamente; sus texturas y tonalidades melancólicas y sensuales son aún más notables en medio de la presencia vestigial de las voces y la estructura convencional de las canciones. ¿Es un álbum de rock? Sí, tal vez, pero uno que suena más alienígena y futurista que cualquier música “electrónica” publicada el mismo año.

Robert Hampson (Principal): “Motion Pool fue una declaración muy definida y deliberada. Le dije a nuestro mánager y a la compañía discográfica de entonces: ‘Esto es lo que va a ser’. Es, literalmente, la cola de lo que la gente conoce, y luego es un juego completamente nuevo”.

7. Nas Illmatic (Columbia, 1994)

Illmatic fue uno de los pocos álbumes de hip-hop que son totalmente sólidos de principio a fin, el tipo de obra de hip-hop que no puedes saltarte. No es de extrañar que la carrera de Nas haya sido perseguida por el espectro de la casi-brillantez desde entonces – este es el tipo de debut que es simplemente imposible de mejorar, repleto de líneas memorables, lirismo evocador, y una lista de destacados productores en la cima de su juego de mediados de los noventa, desde Premo a L.E.S. a Large Pro . 

Una primera versión de este disco ha aparecido recientemente en la red con el nombre de “Nasty Nas – 1991 Demo”, y al escuchar el prototipo parece que muchos de los momentos más destacados de este disco llevaban bastante tiempo desarrollándose, desde el bucle filtrado de Michael Jackson en ‘Ain’t Hard To Tell’, hasta las descarnadas visiones de la vida en Queensbridge que adornan ‘NY State Of Mind’. La verdad es que pocos en el planeta tierra pueden rimar así, y pocos lo harán jamás.

El-P: “Nueva York lo tiene difícil.  Siempre somos objeto de películas, música, arte, etc., pero rara vez se retrata el Nueva York que conocemos. Siempre es una mierda cursi. Alguna exageración o mito a medias que no se ajusta a la verdad o al sentimiento de Nueva York.

Cualquiera que haya crecido en Nueva York puede decir que hay cosas de la ciudad que no se pueden explicar directamente. Hay que hablar de ellas. Mostrarlas. Pintar el paisaje alrededor de los detalles y esperar que las cosas intangibles, arenosas y hermosas que vemos y sentimos aquí puedan ser invocadas, no descritas. Como neoyorquinos, nos emocionamos mucho cuando alguien retrata Nueva York y a los neoyorquinos desde dentro. Cuando los personajes hablan como lo hacen los neoyorquinos. Cuando los escenarios retratados se sienten como se siente Nueva York. Huelen como ellos. Ha habido un puñado de obras de arte que, en mi vida, me han hecho sentir como me hace sentir mi ciudad. El documental Style Wars de Henry Chalfant de 1983 es una de ellas. Wild Style es otra. Illmatic de Nas es otra. Resulta apropiado que nas eligiera iniciar este increíble disco con una muestra de los diálogos y la música de Wild Style. Lo conectó inmediatamente con un espíritu y una intención nacidos de la leyenda, el arte y la verdad de Nueva York.

“Antes de que Illmatic saliera a la venta, todo el mundo sabía quién era Nas, pero nadie sabía cómo iba a sonar el chico que dijo “cuando tenía doce años, me fui al infierno por haber matado a Jesús” cuando tuviera su propio álbum. “Illmatic” es uno de los últimos grandes discos de rap ligados directamente al linaje de la historia de la cultura del rap en nuestra ciudad. Está habitado por los espíritus de una época recién pasada y es un significante radiante, malhumorado y crudo de la siguiente. Nas se ganó su estatus de leyenda inmediatamente”.

6. Basic Channel BCD (Basic Channel, 1995)

Techno reimaginado como la conclusión lógica del dub jamaicano. Esta es una música que cambió casi instantáneamente la forma en que la gente hace música, cambió la forma en que la gente escucha la música e incluso la forma en que la gente siente la música – Demonios, en términos sónicos, representó una revolución en la conciencia, una que todavía estamos tratando de alcanzar y todavía luchando por encontrar el lenguaje para describir.

Pellizco: “Soy un viejo admirador de Basic Channel y del linaje musical que siguió tanto a Moritz [von Oswald] como a Mark [Ernestus], especialmente de su proyecto Rhythm & Sound. Aunque los discos de BC tienen ya 20 años, sigo encontrándolos frescos y a menudo más relevantes que la mayoría de los discos de dub techno contemporáneos.

“Las texturas de su música no sólo son profundas y envolventes, desde el punto de vista sonoro, sino que la forma en que los sonidos se mueven y desarrollan a lo largo de una pista determinada crea esos interminables polirritmos de viaje que pueden inducir estados meditativos asombrosos. A menudo me he encontrado en un espacio mental que se sitúa en algún lugar justo delante del estado de sueño, y no salgo de él hasta que la aguja alcanza el surco central. Parece que me han hecho una lobotomía parcial, pero es cierto. BCD es una música con la que tienes que interactuar para experimentarla plenamente; es una música que cuenta una historia pero que te permite pintar tu propio cuadro.  Puedes seguir encontrando nuevas e interesantes subtramas con cada escucha”.

5. Outkast Aquemini (Laface, 1998)

Seguro que todo el mundo tiene su álbum favorito de Outkast: Stankonia los capta en la cima del mundo, perfectamente equilibrados entre los mundos del hip-hop y el pop (y con admiradores en todos los demás sectores musicales, además), Speakerboxxx en su momento más ambicioso, Southernplayalisticadillacmuzik en su momento más crudo. Pero Aquemini, sencillamente, tiene sus mejores canciones. Rosa Parks” es la canción más desgarradora del grupo, a pesar de que a) los versos no tratan básicamente de nada, y b) incluye un hoedown, mientras que “Spottieottiedopalicious” es sin duda el mejor momento de Outkast, un brindis de siete minutos por el amor, el universo y todo lo demás. Por otra parte, George Clinton se detiene para babear sobre “Synthesizer”, “Chonkyfire” combina versos duros con un piano lacrimógeno, y “The Art of Storytellin” se derrite como la mantequilla bajo el sol de Savannah. El tipo de álbum que desearías poder escuchar por primera vez cada día.

4. A Guy Called Gerald Black Secret Technology (Juice Box, 1995)

Mark Fisher: A Guy Called Gerald fue la primera persona a la que entrevisté, allá por 1989, en la época en que publicó su primer álbum, Hot Lemonade. Fue a raíz de su éxito “Voodoo Ray”, quizá el mejor ejemplo de cómo, a finales de los 80, los ingleses del norte podían absorber influencias de Detroit y Chicago y sintetizarlas en algo nuevo. En 1995, como muchos de nosotros, Gerald ha sido arrastrado por la jungla. Procedente de Moss Side, no es el centro de la jungla en Londres y las Midlands, y su visión del género es un poco diferente.

Todas las firmas del jungle están presentes -voces de alma, subgraves chirriantes, muestras vocales de tiempo premonitorio, aleteos electrónicos de alta gama y, por supuesto, breakbeats manipulados digitalmente- y, sin embargo, Black Secret Technology se siente extraña y sutilmente diferente de prácticamente cualquier otra cosa del género. El genio de Gerald ha conseguido que el jungle deje de ser música de ciencia ficción callejera y se convierta en un sonido que pueda llenar con seguridad un álbum, sin caer en la “musicalidad” retrógrada, un truco que su amigo Goldie (con quien colaboró en “Energy” de BST) no pudo conseguir. No es tanto la célebre complejidad rítmica de BST -las suntuosas involuciones de los breakbeats- lo que lo distingue. Es más bien la forma en que Gerald transforma el sonido de la jungla en una especie de música onírica del Otro Mundo. Tres de los títulos hacen referencia a los sueños, y el álbum proyecta un paisaje onírico, selvático como en las pinturas de la jungla de Max Ernst: húmedo, tropical, lleno de extraños gritos de pájaros, hirviendo de sensibilidad no humana, verde con vegetación exótica. En cuanto a la sensación y el ambiente, si no en cuanto a la instrumentación, BST recuerda a Herbie Hancock y Jon Hassell, mientras que también espera a gente como las excursiones de percusión del cuarto mundo de Shackleton.

La producción de Black Secret Technology era famosa por ser turbia y, aunque la remasterización digital ha limpiado las cosas, sigue habiendo una cualidad moteada y monocroma en el sonido, como si estuvieras viendo un caleidoscopio en blanco y negro. Es imposible pensar que no se perdería algo si el álbum tuviera una producción totalmente viva.  Goldie llamó a su condenada locura de álbum Timeless, pero en realidad es Black Secret Technology el que logró ser simultáneamente de su momento y trascenderlo, de modo que, casi dos décadas después, sigue ofreciendo nuevos detalles al oído.

3. Slint Spiderland (Touch And Go, 1991)

Más de 20 años después del lanzamiento de Spiderland, ya debería haber sido superado. La narración, la historia… sobre el papel, parece el tipo de álbum que debería ser admirado por lo que hizo, pero que no se sostiene frente a lo que inspiró. Y sin embargo, escuchando ahora Spiderland, simplemente no ha sido superado. Es tan perfecto como este tipo de rock de larga duración, desde el dinamismo ruidoso y silencioso de “Breadcrumb Trail”, pasando por “Washer”, que resulta espeluznante sin caer en el cliché, hasta “Good Morning Captain”, tan fenomenal como siempre, y posiblemente el cierre del álbum de la época. Lo más destacable de Spiderland es que, a pesar de haberse convertido en la piedra de toque de varias generaciones de rockeros (en su mayoría) instrumentales, no tiene predecesor: seguro que hay elementos de Gang of Four y más en los estallidos desgarrados de guitarra, las inquietantes palabras habladas y los ritmos irregulares de Spiderland, pero ¿qué discos publicados antes de Spiderland suenan honestamente así?

2. Wu-Tang Clan Enter The Wu-Tang (36 Chambers) (Loud, 1993)

Cuando los Wu irrumpieron en la escena en el 93, trajeron consigo la visión autoral única, monocromática y estrafalaria de RZA, cuyos ricos tapices de loops olvidados de Stax soul y fragmentos de películas de kung-fu cautivaron al público al instante. El atractivo perdurable de los Wu es el siguiente: nueve artistas en la cima de su talento, intercambiando barras que la mayoría de los aficionados al rap pueden recitar palabra por palabra hasta el día de hoy, nueve voces en duelo que eran todas rudamente distintas, nueve personajes cada uno con su propio estilo, modelando su juego de palabras en los maestros de la espada shaolin de las epopeyas de artes marciales de Chia-Liang Liu. 

El resultado es el mejor álbum de grupo. Al escucharlo ahora, no es difícil entender por qué cada miembro llegó a tener una carrera sustancial por derecho propio, y no puede haber duda de que 36 Chambers no es sólo uno de los mejores álbumes de los 90, sino uno de los mejores álbumes jamás hechos, uno que seguirá cautivando a los fans del rap durante décadas.

1. Aphex Twin Selected Ambient Works 85-92 (Apollo, 1992)

Joe Muggs: Muy pronto, creo que incluso antes de este álbum, recuerdo haber leído una crítica del NME sobre un lanzamiento de Aphex Twin que describía su sonido como “muy antiguo y muy futurista al mismo tiempo”. Y realmente, todavía no he visto un resumen mejor del atractivo del mejor trabajo de Richard D. James. Al volver a escuchar Selected Ambient Works 85-92 ahora, al igual que entonces, se siente muy adelantado a su tiempo, capaz de hacer cosas que los productores con tecnología mucho más sofisticada todavía se esfuerzan por comprender, pero también como si hubiera existido desde siempre, como si pudieras soplar el polvo y haber revelado las geometrías de toda una civilización.

Ese “polvo” es vital para el funcionamiento de esta música. Pensamos que los lanzamientos de Burial o Tri Angle son nuevos, pero RDJ estaba realizando los mismos trucos con la niebla y las sombras hace 20 años: todo está empapado de reverberación y siseo, oscureciendo y mezclando, obligando a la imaginación a trabajar. Se decía de Debussy que era capaz de hacer que el piano pasara de ser un mecanismo con 88 martillos, cada uno de los cuales producía una nota por separado, a ser su propia orquesta personal de la que surgían grandes olas de sonido y melodía, y este es el truco que también consigue RDJ. Tanto en los temas suaves y melódicos empapados en el siseo de las cintas de casete en las que se grabaron en directo, como en la claridad hiperreal de los eructos y borbotones del charco de lava ácida que es la pieza central del álbum, “Green Calx”, todo fluye hacia todo lo demás. Todo forma parte de un todo, no sólo por el polvo y el desenfoque, sino porque cada acorde, cada ritmo, cada melodía que se desenvuelve está encajada en cada una de las otras partes con un acierto asombroso.

Es un disco psicodélico en el sentido más estricto, alarmantemente evocador de las cualidades sinestésicas y glosolálicas del ácido, lleno de los éxtasis de flotar libremente y de los terrores de la desconexión total de la realidad. Pensar en la cantidad de sesiones serias que debe haber sondeado a lo largo de los años ya fríe el cerebro, pero al igual que otra gran música de drogas -desde Sgt Pepper a Sly Stone, Chris & Cosey a Gaslamp Killer- no requiere drogas. Además, lejos de ser “ambient” en el verdadero sentido, tiene los dos pies en la pista de baile, un bajo extraordinariamente pesado en todo momento, y una sorprendente comprensión de la música negra americana dado lo blanco y friki que se ha considerado su legado. Escucha ahora ‘Pulsewidth’, ‘Ptolemy’ y ‘Delphinium’ y oirás a un adolescente de Cornualles que ha conseguido captar los mecanismos de Todd Terry, Jamie Principle, Derrick May, Larry Heard y compañía mejor que casi nadie en Gran Bretaña, salvo A Guy Called Gerald. En pocas palabras, a pesar de toda su sofisticación mental y armónica, se mueve como una madre.

De vez en cuando, el hechizo se rompe por un segundo cuando oyes que un elemento de la pista se desvanece un poco y te das cuenta de que alguien está mezclando la pista en directo, pero esto hace que la magia sea más poderosa. Son esos momentos en los que te das cuenta de que esto se ha hecho en un dormitorio con teclados improvisados, soldaduras y cables, y manos que suben y bajan los faders mientras las pistas se graban en directo en una cinta, en lugar de con gigabytes de potencia de procesamiento, cuando su singularidad se vuelve aún más sorprendente. Pero luego, cada vez, las brechas en el escenario se cierran tan rápidamente como se abrieron y uno se ve arrastrado de vuelta a la realidad de las placas de circuitos y la cinta adhesiva, y de vuelta al alto drama cósmico del sonido y la melodía, donde la escala es siempre incierta y el tiempo es elástico. Porque el atractivo de este álbum, entonces y ahora, no tiene que ver con la técnica ni con los puntos de referencia culturales, sino con dejarse arrastrar por esas olas de sonido y melodía que siguen llegando y que siguen siendo un placer para ti, 20 años después.

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https://www.factmag.com/2012/09/03/the-100-best-albums-of-the-1990s-100-81/

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